Les Artistes 2025
Michele Ansermet Papadopoulos
Peintre
Michèle Ansermet Papadopoulos est une artiste franco-suisse qui vit entre Paris et Chypre. Formée à l’ENSAD et à l’Académie Charpentier, lauréate du 1er prix du Salon d’Automne (2016) et du prix Christiane Peugeot, elle est aujourd’hui présidente de section au Salon d’Automne, section qu’elle a fondée, et commissaire d’exposition indépendante.
Son univers mêle récit visuel, énergie chromatique, féminité puissante et tension poétique. On y croise Calliope, Terpsichore, Melpomène… et Lacan, dans un théâtre d’images où les figures dansent, affirment, interrogent, protestent. Elle travaille aussi le dessin animé numérique et le design narratif (Procreate / Procreate Dreams).
Elle a également collaboré avec les maisons Haviland et Oscar Collection dans des projets mêlant art, design et narration contemporaine.
https://www.ansermet-papadopoulos-mj.com/bio
https://www.instagram.com/ansermet_papadopoulos/?hl=en
Christelle Balbinot
Artiste plasticienne française
Entre matériaux, gestes et regards..
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En tressant des fils métalliques issus de rebuts industriels, cette artiste plasticienne crée des œuvres qui oscillent entre matérialité brute et légèreté aérienne. L’aspect indomptable du fil métallique dialogue avec la délicatesse des ombres et crée de curieuses tensions graphiques.
Son univers artistique se situe à la croisée de la sculpture, du dessin et de la broderie.
Ses œuvres biomorphes investissent l’espace en le redessinant, elles laissent entrevoir des paréidolies ainsi que des anamorphoses.
Christelle Balbinot a réalisé une installation immersive au Centre Européen de Recherche Nucléaire (CERN) à Genève (Suisse), à l’espace Création 57 en résonance avec la Biennale de Lyon 2019. En mai 2025, exposition personnelle à la galerie Micki Chomicki à Anvers (Belgique).
Stéphane Beiu
peintre moldave
Médaille d'or au Salon des Artistes Français et prix Taylor au Salon d'Automne Paris Grand Palais.
Maître-Assistant à l’Académie des Beaux-Arts de Moscou puis professeur à l’Ecole des Beaux-Arts de Chisinau
Tous les tableaux de Stefan BEIU racontent une histoire avec une accumulation d'images. Il propose dans ses toiles de véritables rébus picturaux où l'enjeu est de retrouver les chef-d'oeuvres représentés, mais aussi et surtout de les moderniser en les présentant sous un jour nouveau, emprunt des thématiques cotemporaines.
Inspiré par Jérôme BOSCH et BRUEGEL, l'artiste reprend dans ses toiles leurs façons narratives de peindre différentes scènes de la vie quotidienne mélangées avec son imagination débordante et fantasmagorique.
Il nous explique la technique du "sfumato”. Le "sfumato”souvent utilisé par Léonard de Vinci, est une technique de peinture à l’huile qui permet de donner au sujet des contours vaporeux aumoyen de glacis (texture lisse et transparente).
https://www.instagram.com/beiu.stefan/?hl=fr
David Daoud
Invité d'Honneur
Peintre franco-libanais
A la recherche d’une connexion émotionnelle...
Peintre franco-libanais dont l’œuvre est profondément marquée par son expérience personnelle de l’exil. Il est le peintre de l’exode et cherche à capturer les émotions universelles liées au départ, à la quête de lumière et à la nostalgie. Il met en scène des figures anonymes et souligne son désir de créer une connexion émotionnelle, dans laquelle chacun projette sa propre histoire. Expressionniste contemporain, il privilégie une approche onirique et évocatrice avec des contours flous et des compositions ouvertes.
Artiste international, David Daoud a exposé au musée des beaux-arts de Vilnius. Il a collaboré à la pochette d’un album d’Ibrahim Maalouf et ses œuvres font partie de la collection permanente de l’Institut du Monde Arabe à Paris.
En 2024, une importante monographie consacrée à l’artiste est parue, préfacée par Ibrahim Maalouf, aux éditions Lord Byron.
Karine Debouzie
Artiste Plasticienne
"Mon travail s’intéresse à des paradoxes relationnels et perceptifs. En général abstrait, il prend corps en interrogeant notre lien aux vivants, aux désirs, aux relations entre micro et macro, visible et invisible, aux flux et mouvements, aux limites, que j’évoque notamment par le biais d’anomalies visuelles.
Les installations prennent la forme de dessins démesurés dans l’espace et semblent traverser les dimensions".
https://karinedebouzie.fr/project_category/shows/
https://www.instagram.com/karinedebouzie/
Tchalé Figueira
Artiste Capverdien
Le peintre et dessinateur capverdien Tchalé Figueira, est une icône de la création contemporaine de son pays. Le Capverdien est aussi connu au quatre coins de la planète pour ses écrits : recueils de poèmes et romans, Todos os Naufrágios do Mundo, O Azul e a Luz et Solitário.. Cet admirateur de Senghor et de Rimbaud a édité en 2007 une anthologie de contes capverdiens.
Le dessinateur est tombé sous le charme de la peinture en suivant les pas de son grand frère plasticien. De ses œuvres émergent une écriture surréaliste, poétique et rythmée comme une musique alerte et « décoiffante »
Né à Mindelo, sur l’île de São Vicente au Cap-Vert, Carlos Alberto Figueira — plus connu sous le nom de Tchalé Figueira — est un artiste pluridisciplinaire dont la pratique mêle peinture, écriture et engagement social.
Il débute sa carrière artistique en Suisse, où il vit et travaille de 1974 à 1985, étudiant à la Kunstschule de Bâle. De retour au Cap-Vert en 1985, il fonde son atelier Ponta d’Praia à Mindelo, qu’il dirige depuis 2014.
Le travail de Tchalé a été exposé dans de nombreux pays, parmi lesquels l’Angola, l’Autriche, le Brésil, Cuba, la France, l’Allemagne, l’Italie, le Mozambique, le Portugal, le Sénégal, l’Espagne, la Suisse, les Pays-Bas et les États-Unis. En 2008, il reçoit le Prix Fondation Blachère à la Biennale de Dakar, consacrant son rôle majeur dans l’art contemporain africain.
Également écrivain prolifique, il est l’auteur de plusieurs ouvrages, Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques à travers l’Afrique, l’Europe et les Amériques, témoignant d’une démarche artistique sans frontières ni barrières disciplinaires
https://www.instagram.com/tchalefigueira/
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Christiane Filliatreau
Sculptrice Plasticienne
La terre s’est imposée comme une évidence, depuis toujours.
Il faut un élément déclencheur, une mousse, une faille, des traces, des reflets, des feuilles, de l’eau, où va naître une envie de prendre la terre à pleines mains.
Le début du vocabulaire est à Buoux, avec ses falaises grises et ocres, qui émergent du végétal.
Une falaise c’est abrupt, brutal, calme, violent, imposant…il y a toujours quelque chose à dire…
Il faut passer beaucoup de temps à observer, à regarder, être dedans en permanence.
Il y a une respiration qui vient de l’intérieur, une espèce de battement qui vient de la nature elle-même. Capter ces moments-là et les retranscrire.
Il nous échappe toujours quelque chose, c’est pourquoi c’est une quête permanente.
Des formes dites et non dites, à la limite de l’abstraction.
Je choisis mon alphabet, je choisis mes signes. J’aime aussi l’idée de répéter pour ouvrir et pour forcer le propos, pour faire comprendre que les choses se répètent et dans la répétition s’installe un rythme, un mouvement et s’ouvre un espace.
Le travail de la terre est mystérieux, il m’échappe. C’est la rencontre d’une énergie et d’une émotion.
Dire la puissance de cette nature, sa musicalité, sa force, ses grouillements, ses vibrations.
La solitude, elle est bonne au moment où on arrive dans son intériorité, et c’est là qu’on a des choses à dire, et qu’on peut éventuellement « les sortir ».
Odile de Frayssinet
Sculptrice Plasticienne
Odile de Frayssinet utilise son savoir faire avec les fils et sa connaissance des techniques du tissage pour explorer différents territoires : Sculptures, Tablettes murales, Bijoux. Pour ses grandes sculptures, les « STELES », elle va inventer une matière, une véritable «peau», résultat d’une suite de véritables métamorphoses.partant d’un tissage réinventé de cordes agricoles en polypropylène s’élevant sur une structure métallique qu’elle aura auparavant soudée à cet effet, elle va procéder à une première transformation par le feu : les fils fusionnent, la matière se compacte. Ces fils deviennent pour elle un matériau magique, qui se travaille à merveille, qui autorise toutes les formes, très résistant même en extérieur et qui reste très léger. Puis vient ensuite une suite de mues : terres, sables, argiles, poudre de marbre, pigments, vont entrer en scène et donner à cette peau un aspect subtil et énigmatique entre végétal et minéral. Les couleurs des oxydes qu’elle aime à mélanger vont ensuite différencier et animer chaque sculpture.
La manufacture Brun de Vian Tiran, partenaire du festival, lui a fourni de la matière textile de premier choix pour la
réalisation d’une oeuvre spécifique installée dans l’Hôtel de Brancas. .
https://www.instagram.com/odiledefrayssinet7/
Sybille Friedel
Sculpture et peinture
Née à Paris, Sybille Friedel fait des études de dessin et de sculpture chez Del Debio. Elle entreprend également la pratique de l’aquarelle sur vélin au Muséum d’histoire naturelle de Paris, avant de rencontrer le maitre Ung No Lee. Commence alors un apprentissage de la calligraphie chinoise qui se poursuivra le long des années. À la suite d’études approfondies et de longs voyages, l’artiste parvient à proposer son propre langage, suivant et detournant à la fois les codes esthétiques de cet art oriental. Elle pratique la peinture, la sculpture et le dessin dans son atelier à Pernes Les Fontaines (Vaucluse), où elle ne cesse d’interroger la relation entre l’homme et la nature.
Corado Gardone
Artiste Sculpteur
Temporalité
« Je m’intéresse à ce qu’il y a d’éphémère et de vulnérable dans tout ce que l’homme produit, ainsi que dans sa propre existence, confronté à la vanité humaine face à la nature, dont nous faisons partie intégrante. Cette quête suscite une réflexion profonde sur notre place au sein de l’écosystème, mettant en lumière la beauté et le caractère immuable de la nature, et faisant émerger un dialogue entre l’artificiel et le vivant »
Dans ma démarche artistique j’explore la temporalité de la matière. J’utilise dans mes créations des matériaux issus de l’industrie que la plupart du temps je recrée afin de trouver la forme en adéquation avec l’idée. Il peut m’arriver également quelquefois de travailler avec de la récupération industrielle si je trouve que la forme peut être exploitable… La seconde phase de mon travail consiste à dématérialiser ces matériaux industriels, fabriqués ou récupérés, en accélérant le processus naturel de transformation. A travers ces procédés je me laisse toute liberté. Mes pièces sont le résultat de cette métamorphose, pensées dans une temporalité irréelle, un espace-temps différent. Elles participent à mon principe de création, que je veux à la fois inquiétant et bouleversant, exubérant et joyeux…Hymnes à la nature. »
Gilles Grimon
Artiste Peintre
Le portrait comme champ exclusif de recherche artistique
Il y a bien sûr l'émotion suscitée par l'apparition d'un visage. Mais le traitement plastique donne une autre dimension grâce à la superposition de volumes figuratifs et de trames géométriques. Apparait alors une vibration optique accentuant la sensualité du portrait. A la dynamique créée par la peinture se sont ajoutés petit à petit des motifs de végétation. Ainsi se crée une osmose entre humanité et nature.
Il s'agit d'un travail très classique (fusain, peinture à l'huile) sans photo ni numérique, donnant à voir un traitement très contemporain du portrait.
Laïna Hadengue
Invitée d'Honneur
Artiste Peintre internationale
Un mélange de figuration, d’hyperréalisme et de surréalisme...
Peintre internationale au style vibrant dont les toiles de grand format expriment une énergie brute et une palette chromatique audacieuse.
Dans sa démarche artistique, Laïna Hadengue interroge la condition humaine face aux avancées technologiques et au rythme effréné de la société contemporaine.
Ses œuvres, imprégnées d’une touche de surréalisme, mettent en scène des personnages en introspection, reflétant des thèmes universels tels que le temps, la mélancolie et la contemplation. Elles invitent le spectateur à une réflexion sur la place de l’homme dans une société obsédée par le progrès technologique, tout en célébrant un retour à soi et une ode à l’humanité.
Laïna Hadengue est une peintre engagée dans la défense de l’art sans contraintes. Elle s’oppose à la censure des œuvres et valorise l’autonomie de l’artiste.
Coup de cœur de la Foire d’art de Southampton (USA) en 2015, Laïna Hadengue a participé à la Biennale de Venise au Palazzo Mora, en Italie en 2017.
Elle a représenté la France à Prague (Tchéquie) dans le cadre de l’exposition “Women in art” en 2024-2025.
https://www.hadengue-laina.com/
https://www.instagram.com/laina.hadengue/
Ernst Günter Herrmann
Artiste Sculpteur
Conçues comme des sculptures spatiales transparentes et construites selon des principes de construction minimalistes, mes sculptures incarnent l'activité humaine élémentaire dans l'espace. Elles jouent avec différents paradoxes et représentent des principes de l'art contemporain et de l'écologie. Le paradoxe principal réside dans la réduction à un minimum de matériaux et en même temps à un maximum de volume. Leur fragilité fait écho à la vulnérabilité de l'homme en tant que partie de la création. Ma préoccupation centrale est l'abstraction comme chemin progressif vers l'origine et donc vers le vide.
Serge Hiol
Sculpteur
Artiste plasticien, autodidacte, il fait jaillir de la terre et du travail de ses mains des formes humaines captivantes. Dans un style naïf, ses personnages énigmatiques, d’où émane une énergie brute et palpable, semblent
porter sur leur dos tout le poids de la condition humaine. L’artiste est un libertaire qui s'ignore. À l'atelier il est maçon, constructeur, modeleur tellurien et sans concession, il échafaude sans fioritures, ni repentir...
Morteza Khosravi
Peintre iranien
Partagé entre abstraction et figuratif...
La démarche artistique de Morteza Khosravi se caractérise par une fusion entre héritage culturel, réflexion historique et une approche esthétique à la fois réaliste et contemporaine.
Son travail explore des thèmes profonds tels que la mémoire, l’identité culturelle et les bouleversements socio-politiques, en particulier dans l’Iran post-révolutionnaire.
La démarche artistique de Khosravi se distingue par sa capacité à lier passé et présent, à provoquer une introspection sur les réalités sociales et historiques, tout en offrant une expérience visuelle puissante et universelle.
Morteza Khosravi a exposé dans des galeries prestigieuses : Téhéran en Iran, au Liban, au Palazzo Bastogi à Florence et à Toronto.
Mostafa Khosravi
Peintre Iranien
Mostafa Khosravi possède de nombreuses peintures lumineuses représentant des racines d'arbres. Son oeuvre fait désormais place aux images de volcans, évoquant explosion, fumée et chaos. Pour représenter ce thème, le peintre a tantôt privilégié des touches expressives et libres, tantôt détourné son regard de la représentation explicite du sujet, et seul un coloriage libre et actif a permis de dépeindre la conscience qui l'habitait. Ces peintures, qu'elles soient directement représentatives du thème des volcans dans une composition centralisée ou qu'elles soient une surface abstraite résultant de l'entrelacement des couleurs sur une largeur sans centre, de leur puissance et de leurs traits éclatants, sont la juxtaposition et l'amalgame de couleurs variées, tantôt vives, tantôt froides et sombres.
Il en va de même pour la création de compositions et de magnifiques textures abstraites, un ensemble cohérent, à la fois expressif et significatif.
Olivier Rotté - Caroline Le Gall
Caroline Le Gall et Olivier Rotté forment un duo artistique au sein duquel ils réalisent des oeuvres multivectorielles immersives.
Dans l’exposition sur les Béatitudes, ils conjuguent plusieurs de leurs centres d’intérêt : la quête du bonheur par la spiritualité, la figure humaine à travers le portrait pictural et l’usage de la parole comme témoin et outil de lien à l’autre.
Les quatre grands portraits qui vous accueillent et vous partagent ici leurs murmures, représentent quatre des huit propositions et promesses millénaires du Sermon sur la montagne : humilité, douceur, justice et résilience.
Emmelene Landon
Artiste peintre écrivain
Née en Australie en novembre 1963, ancienne élève de l’École des Beaux-Arts de Paris, Emmelene Landon vit et travaille à Paris depuis 1981. Écrivaine, peintre, traductrice et vidéaste, elle a réalisé des films, des émissions radiophoniques à France Culture, exposé dans des galeries et des musées dans de nombreux pays, et publié huit livres, notamment Le tour du monde en porte-conteneurs, La baie de la Rencontre, Marie-Galante et Debout chez Gallimard. En 2018 elle est élue Écrivaine de marine, un statut littéraire, grâce à ses expériences en mer et à sa fascination pour le monde maritime. Sensible aux vies de tous les gens de mer et de leurs proches, à ceux qui sont contraints de prendre la mer, à l’équilibre des éco-systèmes, à la biophilie, au temps géologique et à la synesthésie, Emmelene Landon tisse des liens entre ces différentes approches dans ses peintures et ses écrits. Elle est chevalier de l’Ordre du Mérite maritime.
Jean-Christophe Lévêque
Artiste Peintre - Président du Salon d’Automne Paris
Tout art est partage de sensations et d’émotions
Exprimer l’invisible
Peindre est un besoin vital, j’utilise la peinture comme un moyen d’expression avec ses propres limites mais aussi avec tout ce qu’elle offre.
Je peins ma vision du monde, ce que je perçois, ce que je ressens, détachée de tout sujet figuratif, mais très inspirée par ce qui m’entoure. Chaque peinture est une expérience unique, un oubli de soi, l’acte de peindre est une méditation, un acte de l’ordre du sacré, une transcendance, avec cette vaine tentative de retenir les instants vécus.
La couleur est à la base de mon travail. Je développe des séries à partir de différents thèmes.
Le tableau se construit de séances en séances, et je ne sais pas à l’avance ce qu’il deviendra. Le format est un élément déterminant dans sa construction. Ma peinture est très gestuelle. Je m’immerge progressivement dans le tableau, je le parcours de l’intérieur, conjuguant divers éléments plastiques pour en faire mon propre langage (rapport de couleurs, matière, lumière). Je cherche une unité dans l’ensemble de la composition conjuguant les rapports de couleurs, les rapports de formes et la dynamique des traits.
Le spectateur se promène dans le tableau, le parcourt du regard au gré des variations et de sa propre sensibilité, chaque spectateur a sa propre lecture du tableau portée par son imaginaire.
Htein Lin
Peintre Birman
Artiste majeur de la scène contemporaine birmane, Htein Lin explore depuis plus de 35 ans les liens entre résilience, engagement politique et pratiques artistiques. Peintre, performeur et ancien prisonnier politique, il transforme les contraintes en œuvres puissantes, marquées par la méditation, la mémoire et le témoignage.
L’œuvre monumentale On the Road, peinte sur une couverture lors d’un voyage en Inde, s’inscrit pleinement dans cette démarche. Entamée en 2007, achevée récemment, elle raconte en trois registres la vie du Bouddha, la roue de la vie, et la méditation – tissant une fresque personnelle et spirituelle, habitée par des symboles forts et des détails chargés de sens.
Choisie pour sa taille exceptionnelle et sa portée universelle, cette œuvre incarne à la fois l’intime et le grand récit, et s’inscrit avec force dans le thème du festival l’art en grand.
Paul Alden M’Voutoukoulou
Peintre Congolais
Né en 1987 à Brazzaville (Congo), où il vit et travaille.
Il pratique le dessin depuis l’enfance. Après s’être formé à l’École nationale des Beaux-Arts et à l’École de peinture de Poto-Poto de 2006 à 2010, il découvre le graphisme au collectif « Graphik’Noir » et travaille dès lors à l’harmoniser avec la peinture. Il collabore à de nombreux projets artistiques.
Paul Alden Mvout présentera ses toiles sur le thème de l’exposé, « Nature-santé ». Pour ce jeune peintre et vidéaste, la nature souffre, elle est malade à cause du comportement de l’homme qui la pollue. Il présente douze tableaux, plus une installation accompagnée d’une vidéo réalisée pendant la première édition des ateliers Sahm. Il a par exemple dessiné des tableaux qui expriment la violence faite à la nature par des polluants.
En 2002, il fait partie des pionniers de la 1ère édition de la Rencontre Internationale d’Art Contemporain (RIAC) des Ateliers Sahm (Brazzaville, Congo), à laquelle prennent part une vingtaine d’artistes, et où le français Sean Hart et l’algérien Abdelkader Damani ont supervisé les ateliers « vidéo d’art » et « critique d’art ». En septembre 2014, il participe à la 3ème RIAC des Ateliers Sahm : il est lauréat du 2ème prix vidéo et lauréat du prix de la Fondation Blachère.
Il fait partie en 2014 des artistes sélectionnés pour le projet « Congo(s) : esthétiques en partage, au-delà des géographies » des Ateliers Sahm, présenté à la Biennale de Dakar (Sénégal).
https://www.instagram.com/alden.mvoutoukoulou/
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Celia Maulian
Artiste de fil et de papier
Diplômée avec mention de la Fashion Institute of Design & Merchandising 1985-1987 / Los Angeles
Lauréate pour effectuer un trimestre à l’Ecole Supérieure des Arts & Techniques de La Mode 1987 / Paris
Lauréate de la médaille d’Or par le jury invité “Salon des beaux arts” 2024 au réfectoire des cordeliers 75006 Paris.
"Le papier et la moelle de rotin sont au cœur de ma pratique.
Je plie, je froisse, j’imbibe, je brode et de ce processus de création naissent des œuvres oniriques.
La fabrication d’une feuille est intrinsèquement liée au temps. Plus qu’une transformation c’est la métamorphose d’un état liquide à un état solide; l’éloge d’un geste. Le papier devient peau, souligne sa
transparence et son grain .
La moelle de rotin offre une architecture qui met en exergue la diaphanéité et la délicatesse du washi.
La blancheur du papier donne le ton de mes pièces, les fils laissent deviner une écriture graphique à travers la matière.
Ma démarche artistique se rapproche d’une surface imaginaire, une fable de lumière et d’eau.
Le temps et les œuvres sont suspendus, mobiles et reliés."
https://www.instagram.com/celia_maulian_/
https://www.instagram.com/celia_m_lepapier/?hl=fr
Yosra Mojtahedi
Artiste Iranienne
Yosra Mojtahedi est née à Téhéran en 1986. Diplômée du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, elle explore les frontières entre le vivant et le non-vivant à travers des sculptures qu’elle conçoit comme des « machines-humains » hybrides, parfois interactives, mêlant soft robotics, technologies émergentes et matières organiques. Venant d’un pays où le corps est un sujet tabou et sa représentation interdite, ses travaux sont en réaction sensuels et sensoriels: tactiles, olfactifs, touchant parfois à l’érotisme. En créant des formes-corps en mutation, sensibles et respirantes, elle insuffle la vie à des entités inertes, brouillant les limites entre machine et chair, humain et non-humain, réel et irréel. Ses œuvres, souvent traversées par une sensualité politique, réinventent des récits autour du féminin, de la technologie et de la spiritualité. Lauréate du Prix Révélation Art numérique – Art vidéo de l’ADAGP en 2020 et du Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider en 2024, elle expose régulièrement en France et à l’international.
Ousmane Niang
Peintre sénégalais
Né en 1989 à Tamba, Sénégal, Ousmane Niang vit et travaille entre Paris et Dakar. Diplômé de l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar, il s’est imposé dès ses débuts par une maîtrise singulière de la technique du pointillisme, ainsi que par la présence récurrente de figures anthropomorphes dans son œuvre.
Ses premières toiles mettaient en scène une nette séparation entre animaux humanisés et animaux sauvages ou domestiqués, traduisant une réflexion sur les rapports de domination et les hiérarchies sociales. Dans sa production la plus récente, cette frontière s’est estompée : l’homme se fond désormais dans la nature, suggérant une vision d’harmonie et de cohésion entre les êtres vivants.
Mélangeant forme et matière, ses peintures s’inspirent de la technique du pointillisme et incarnent les discours de la société à travers les formes et la figure de l’homme-animal. Les plumes représentent le mauvais côté de l’homme et les points une solution. Ousmane Niang compose ainsi les scènes étranges d’un théâtre contemporain dont animaux hybrides et figures mystérieuses sont les protagonistes d’un duel entre dominant et dominé. Débute alors le récit de fables urbaines tant fantaisistes que dramatiques plongeant au coeur des maux qui agitent la société contemporaine. Ses oeuvres exposent les facettes les plus sombres de notre société. Transformant l’absurde en une arme redoutable, il nous confronte à cette vision décalée de la société obsédée par la communication et les apparences.
https://www.instagram.com/ousmane.niang.art/
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Isa Papasian
Artiste plasticienne
Artiste du papier et du scalpel, Isabelle Papasian redonne vie aux matériaux usés pour en faire des œuvres fines, puissantes et poétiques.
Entre ex-votos, amulettes et grandes découpes, son geste s’inspire des arts populaires et sacrés, pour tresser un lien sensible entre mémoire, résilience et transmission."
https://isapapasian.com/ateliers-autour-du-vegetal-et-ou-du-papier-publics-enfant-famille- centre-hebergement-centre-social-centre-loisirs/
Dominique Puisais
Artiste Peintre
Carrière théâtrale en France.
Créations de décors et de costumes : Scènes Nationales : Opéra, Odéon, Théâtre d’Ivry Vitez , TNP, jeunes Compagnies et Télévision. Puis départ à l’étranger.
Catalogne
Premières expositions personnelles avec Galleria Cadaquès et l’Amistad
Amérique Latine : Uruguay
Expositions personnelles : Ambassade de France, Alliance Française, Ministerio de Cultura à Montevideo, missions de formations de décors et costumes dans tout le pays
Retour en France : reprise d’expositions avec Galleria Cadaquès, la Tour des Cardinaux à l’Isle sur la Sorgue, puis en 2000 création de la Cie des Lectures Peintes, lectures spectacles avec des comédiens professionnels
https://www.instagram.com/dominiquepuisais/
Eva Ramfel
Le travail d’Eva Ramfel interroge notre relation à la nature et nous questionne sur notre responsabilité face aux enjeux de demain. Artiste autodidacte, fascinée par la bioluminescence et les abysses, son engagement artistique se veut comme une réponse face à la violente précipitation d’un monde qui se désagrège. A travers le papier, le métal, les polymères ou les matériaux naturels, Eva Ramfel travaille ces structures à la main comme du dessin dans l’espace avec la volonté de se libérer de la sculpture traditionnelle qui suggère une taille directe du bloc. Ses formes, construites sur un équilibre de forces, s’affranchissent de la masse par un processus de découpe. Une approche sensible des mutations et bouleversements contemporains, une invitation au voyage entre pesanteur et légèreté.
Parallèlement à son travail plastique, elle développe avec son compagnon et photographe Valentin Desjardins un jardin en collectant des espèces issus de différentes régions et pays du monde entier. Un jardin d’acclimatation où plus de 600 espèces prennent leur essor, entre analyses et observations. Une invitation à la contemplation.
Senz
Peinture / Graffiti
Senz a passé son adolescence entre Paris et New York City. Il commence jeune à peindre dans les rues comme graffeur. Inspiré par le paysage urbain, il a affiné une esthétique qui a attiré l'attention de visionnaires de la mode, de l'art et du commerce, tels que Agnes B, Coach et Alice & Olivia.
À la fin des années 90, il s'installe à Paris pour travailler comme directeur créatif chez Virgin, Sony et Universal Music Group. Il transforme ensuite La Funk Mob (producteurs de MC Solaar et Cassius) en coopérative de création axée sur une approche multidisciplinaire de l'art et de la musique.
Senz crée des œuvres d'art en utilisant la typographie, la photographie et l'impression numérique. Il mélange des medias avec des designs originaux, créant ainsi un collage culturel. Les pièces sont à la fois complexes et profondément symboliques, pleines d'indices qui invitent le spectateur à entamer son propre dialogue intérieur avec chaque œuvre.
www.senzart.com
Instagram : @senz
Catherine Sévérac
Artiste Peintre
La composition, indispensable, et puis quelques couleurs, retenues, des terres, naturelles ou brûlées, des valeurs plus que des couleurs, quelques accents tout de même – il faut bien réveiller – des matières, un peu, pas trop, une chair palpable, vibrante, jusqu’au moment où le cœur bat autrement, plus vite, plus fort…
Des bouts de papiers qui rêvent de la toile future, petites esquisses senties plus que dessinées et recommencées, jamais assez bien, jamais assez beau, retravailler, encore et encore, des petits carnets remplis de rêves de toiles, toujours la même, celle qui sera la plus belle…
En dehors de la mode, en dehors des modes, en dehors des tendances.
Recherche d’absolu, recherche de grandeur, recherche de ce qui m’émeut, de ce qui émeut…
Erika Tomas
Artiste Peintre
Suite à des études d’art avec une spécialisation photographie, à Toronto au Canada, elle revient en France dans les années 90 et travaille à Paris en tant que photographe professionnelle (Editions Artlys, RMN, Galerie Denise René, Berthier Architectes pour Christian Dior, CNIT la défense).
A partir de 95, elle abandonne la photographie pour la peinture et c’est la galerie Hastie et Collins à Londres qui donnera le coup d’envoi pour l’exposition de ses premières toiles abstraites.
Son travail interroge la notion de mémoire : ce que que nous recevons, ce que nous gardons et choisissons de transmettre
Hamid Torkashvand
Sculpteur Iranien
Membre de l’association des peintres iraniens et de l’Institut pour la promotion de l’art visuel contemporain. Son activité artistique est multiforme : sélectionné à la Biennale de sculpture de Téhéran et par plusieurs festivals nationaux, il réalise de nombreuses performances et installations immersives, notamment visuelles et multimédias
Les étudiants des Beaux Arts Paris
Capsule Vortex
Loïc Bousquet-Rouillé
Etudiant en 5e année aux Beaux-Arts de Paris et sélectionné par la "Capsule Vortex », crée des œuvres uniques à partir de mues d'insectes, de plastique recyclé et de crustacés méditerranéens. Ses compositions excentriques et novatrices abordent des enjeux écologiques contemporains. Inspiré par Giorgio Agamben, Loïc incarne la contemporanéité en évoquant la joie malgré le désastre écologique, invitant à la réflexion sans culpabiliser. Son art baroque et convivial est un écart essentiel dans le monde artistique.
https://www.instagram.com/lolo_lamuerte/?hl=fr
Bastien Clar Kellens
Etudiant en 5e année des Beaux-Arts de Paris, sélectionné par la « Capsule Vortex » il participe activement à la réalisation et à la curation du « Jardin aux 12 mains ». Peintre des nuances, explorant les frontières entre le physique et le métaphysique. Son œuvre, inspirée par l'hindouisme et Baudelaire, capture l'évanouissement de l'âme et l’espoir dans l'obscurité. Bastien recherche une simplicité picturale où coexistent fleurs sauvages et oiseaux des villes.
Arthur Coquille Hopfner
Etudiant en 5e année des Beaux-Arts de Paris et sélectionné par la « Capsule Vortex", est un poète dont l'art ne se lit pas, mais s'écoute et se voit. À travers des automates subtils faits de matériaux récupérés, il crée un lyrisme mécanique où chaque pièce raconte une syllabe d'un poème. Ses sculptures, assemblées avec une ingéniosité virtuose, invitent à une balade onirique dans un cabinet de curiosités motorisées.
Dans son atelier, un bric-à-brac enchanté, Arthur manie plans, outils et créations avec une aisance naturelle. Ses œuvres, cycliques et délicates, ne s'arrêtent que lorsque l'interrupteur est abaissé ou que la fragilité des mécanismes les y contraint.
Laura Esparch
Etudiante en 5e année des Beaux-Arts de Paris et sélectionnée par la « Capsule Vortex », est une artiste qui collectionne objets, formes et sensations comme des trésors secrets. Lorsqu'elle ouvre son coffre à jouets, elle assemble l'inassociable avec fougue et caprice, laissant libre cours à sa sensibilité et à son instinct. Ses créations, comme des chimères de sentiments, prennent vie dans un chaos de plâtre et de bois verni.
Inspirée par Nietzsche, Laura puise dans ce chaos pour faire éclore des étoiles dansantes, révélant toute une constellation d'émotions et d'imagination pure.
https://www.instagram.com/laura_esparch/
Mathilda Munsch
Mathilda, en 5e année des Beaux-Arts de Paris et sélectionnée par la « Capsule Vortex », explore les origines à travers ses dessins aux formes quasi abstraites. Ses œuvres, où se diluent des couleurs douces sur un papier aux aspects rocheux, évoquent des silhouettes de fossiles ou les reflets de pierres précieuses. En accumulant matières et couleurs, elle recrée des phénomènes géologiques, comme l'émergence de montagnes ou la formation de fosses océaniques.
Son travail, nourri d’espoir, confronte la réalité à une mythologie personnelle, explorant la liberté et l’espoir d'un recommencement. Mathilda transcende la vie humaine pour aborder son existence avec douceur.
https://www.instagram.com/_koulma/
Merveille Kélékélé-Kélékélé
Merveille, en 5e année des Beaux-Arts de Paris et sélectionné par la capsule Vortex, est un artiste silencieux qui écoute et transforme les confidences en art. Il exprime le "bruit du monde" à travers ses toiles, où se mêlent couleurs, émotions et créatures difformes. Ses œuvres capturent le bruit du jour et de la nuit, le tout et le rien, le bruit de la vie.
Lorsqu'il se raconte, Merveille devient un personnage de théâtre, créant des intrigues détaillées sans jamais se dévoiler entièrement. Il se met en scène sous divers visages, laissant un mystère persistant qui fascine.
https://www.instagram.com/merveillekelekelekelekelelele/?hl=fr